三浦大知的「球體」衝擊＼打動新聽眾的POP傑作
追求表現之可能性的作品
本作品的獨特之處，並不僅只於以流行樂而言的高水準。「球體」本身還包含了，在專輯發行之前，三浦大知早一步舉行的，由他自身一手包辦了舞台導演、劇本與編舞等的同專輯名公演，實乃為一個綜合表演性質的作品。
他本人舞台的現場演出如今已經無法觀看到。但附加在CD上的DVD/Blu-ray，特別收錄了他的表演影像。將近80分鐘，三浦僅僅一人獨自在舞台上表演、支配整個舞台的模樣，配合著歌曲所延伸出的世界觀，留給觀眾鮮明強烈的印象。
另外，本作的發行，說是今昔J-pop圈內累積多年資歷的男性歌舞團體，正恢復元氣的重要指標也不為過。例如由成員橘慶太擔綱製作而獲高評價的w-inds，或是藉著「U.S.A.」在SNS上的熱烈迴響，而重獲鎂光燈青睞的DA PUMP等等。而且同一時期以BTS為首的K-pop偶像們，拿風格洗鍊的歌舞作為武器，在全世界歌壇上嶄露頭角的現在，本作也秀出卓越的同一世代感。
話雖如此，在此提出一個要注意的地方是，三浦本人作為表演者的實力之高不必說，從過去到現在他的音樂活動裡可見，掌握潮流的高品質製作力，也是始終一以貫之的不變事實。實際上，「球體」中和他全方位搭檔，一手包辦著作詞、作曲、編曲等，本作品中最重要人物的Nao'ymt氏，早在00年代末期就不時地與他合作，也是論述三浦資歷時絕對少不了的製作人之一。Nao氏作為R&B歌唱團體Jine的成員之一，一邊自行製作，一邊也向大眾流行市場提供品質良好的R&B音樂。00年代開始支撐安室奈美惠的轉型升級，而讓人見識到他製作人名手腕的Nao’ymt氏，而他也製作過多首三浦的單曲與專輯收錄曲。
另外，近幾年的三浦，也積極地與地下音樂界建立關係。最近的暢銷曲，如2017年發行的單曲"EXCITE"，自擁有多名年輕製作人TREKKIT TRAX裡招來Carpainter編曲，製作出吻合特攝作品（假面騎士EX-AID）的主題曲風格，成為一首隨處四散著Jersey Club的元素，快節奏的歌曲。而2016年則是找來靠著獨一無二的音軌與表演，做為日本電子樂代表性製作人的Seiho，共同合作發表了"Cry&Fight"。
如此這般，「球體」這一傑作，是立足在三浦透過資歷所累積出的信賴與實際成果的延長線上，才得已成立。前言說了這麼多，想強調的重點就是在此，而根據這點我們再來深入談論本作。
情境音樂與Hi-Fi並立
三浦大知的歌迷以外，會對「球體」產生興趣的人們，許多是看到本作帶有情境/迷幻R&B、偏向療癒系的舞曲風等，與歐美為中心的流行樂潮流走在同一時代的一面。如果用一句話來描述這種傾向，應該可說是「帶有豐富空間感的氛圍」吧。比起銳利、乾淨的聲音，「球體」第一個醒目的特色，就是如同要把聽眾誘入餘音繚繞的深海般的音樂製作手法。
拿「淡水魚」或是「對岸的法則」這些抒情曲目來說，在伸縮中搖擺的節奏，以及回音的作用裡漂浮的電子樂，伴著三浦流暢的歌聲，共同交織出一個讓人體驗到與現實脫勾的空間。尤其是「淡水魚」這首歌，在假音與真音間來回遊走的戰慄歌聲，為空間的深度增添了緊張感。
但是，相對於情境R&B，不時會採以Lo-Fi（低音質）的錄音拼湊法——如法蘭克．海洋的「橘色頻道」或「金髮」等為其代表——「球體」則一貫以Hi-Fi（高音質）手法，維持清晰乾淨的音波圖。我自己的看法是，前面所提到法蘭克．海洋的作品集，或是索蘭芝的「餐桌上的一席」這類情境R&B的代表作，關鍵在如何將個人、私密性的故事與社會脈動串連、接在一起，才會故意在錄音時，彷彿直接使用智慧手機的錄音記事本般粗糙手法來進行。
反觀，「球體」的Hi-Fi手法則帶出本作的特徵，寓言般規模浩大的故事展開。這是為了雕琢出一個世界觀，而精心研磨出來的音樂聲響。
「圓環」或是「心電感應」，以及如同是整張「球體」專輯之重心所在的「世界」等歌曲中可看到，彷彿是80年代正統的PCM系鼓聲機，及華麗的電子樂合成器的音色，這也是本作品的音聲特徵。但這並不是為了策動復古，也感覺不到其中有對80年代的憧憬，單純只作為音符去發聲這一點也很有趣。若將過去Nao'ymt氏製作的曲子找來一聽，使人聯想到80年代的當代黑人音樂的音聲使用手法，再升級版的本作，在作品裡隨處可見到啟蒙處的這一點同樣很有意思。
無論是以民謠吉他搭配歌聲的單純架構，驀地一轉為快節奏、8拍子電子流行樂的「心電感應」一曲，還是滿是戲劇張力抒情的節奏，讓人充分見識到三浦唱功技術的「世界」一曲，任一首都是很容易掉進媚俗陷阱的曲風。但是選對了音色，透過高解析度的製作力，讓曲子昇華成一首洋溢著清涼感，同時直接訴諸情感、打動人心的流行歌曲。
再進一步地說，考慮到三浦近年來的演藝活動，理所當然地「球體」也貪心地納入了Future Bass（未來貝斯/柔電音）為首的，EDM後期的舞蹈音樂。論及這一點，正是本作之亮點的「飛行船」。迎向歌曲的轉調，緩慢地高漲而起的情感，與三浦的演唱成功地契合不說，在歌曲進入尾聲，唯獨這部份以16小節的複雜拍子架構出的譜面，不僅採用最先端的舞曲樣式，在實用性（=容不容易混音，或是編舞）方面所保持的距離，也讓人見識到絕妙的平衡。
作為舞曲的距離感，順著這文理說下去的話，筆者觀看「球體」表演時感到的意外之處是，本來作為展現舞蹈技術的最佳橋段，也就是勸世節奏（*Uplifting Trance=旋律豐富、高速節奏為其特徵）的部份，卻用來演出故事的高潮橋段。延續「飛行船」一曲的話題，三浦在表演時，蕭聲般的音樂為主的轉調，他秀出華麗的舞步，然而在節奏更為激烈的、充滿躍動感的尾聲16小節處，卻停下舞步，消失在舞台上的飛行船內。也許這是筆者想太多，我感覺到三浦不為誇耀自身的舞蹈技術，一心專注在表達出作品的世界觀。
到此為止的話題雖以「聲」的面相為主，然而就歌曲創作的觀點而論，「球體」所達成的品質也值得注目。為了表現出作品內提點的世界觀，小心翼翼選擇的字彙，細心而講究的押韻等等，接下來想探討的是「譜面」、「潮流」。
以美國為中心，流行音樂採用EDM及Trap（陷阱音樂）的音樂手法，已經是理所當然，當然歌曲節奏自身也隨之變化。更簡單明瞭地舉例來說，陷阱音樂滲透開來之後，經常聽到使用許多三連音符譜面的音樂，這已經不僅限於嘻哈音樂的範圍，漸漸成為了流行音樂中的基本譜曲語言。然而陷阱音樂風格的三連音符，在J-pop上來說很難談上普及。同屬亞洲的流行樂而言，K-pop則是對照地，很有彈性地將這類節奏的變化帶入。
在這一點上，「球體」所收錄的歌曲裡隨處可見，反應著極度現代節奏感的譜面。這是2018年的現下J-pop來說，能舉得出來的少數值得誇耀、完成度極高的例子。其中最如實呈現的一首歌，就是「綴化」。
強勢的硬質低音鼓，搭配副貝斯。帶出緩急尖銳的腳踏鈸。略為帶著沉悶音色的墊音（pads sound）。沿襲著陷阱音樂的套路所製作出來的音樂，乘著三浦大知演唱的歌聲，他不僅配合著那獨特的譜面，徹底掌握住節奏，並以清晰的發音唱出日語歌詞中詩詞風情。尤其是，以三連音符為主軸展開的副歌部份來說，夾著大膽的切分音符、敲擊樂器的聲響與歌詞意義，三者在極限中互鬥又彼此融合。這也是源於三浦高超的歌唱技術，才能挑戰像此類最尖端的節奏感，與日語歌詞成功融合的領域。
「球體」—流行音樂的傑作
最後，「球體」珍貴之處在於，音樂、譜曲，還有舞蹈表演方面所達到的品質之高，以及這作品整體所展現的世界觀，雙雙成就的這一點上。也就是說，作為音樂的表現、以及淬練而得的表演，兩者為了共同展現出一個「概念」而灌注上一切。以這層意義而言，「球體」這個極端抽象概念的標題背後想表達的，與其說是藝術家為了自我實現、表達自我而創造的私密物語，不如說是為了挑戰表現領域之極限，故以大眾化的手法描繪出一個故事。我想作品如實地把這樣的態度體現出來。
三浦大知與Nao'ymt，共同籌劃出來的概念到底是什麼，在作品中並沒有提及，純粹交由每個人根據各種要素，進行各自的解讀。話雖如此，在歌詞及舞台演出中，一貫出現的「水」的元素，以及「球體」這個專輯名稱，由城市到大海、森林、沙漠中徬徨的演出看來，暗指著這個作品所描述的，無疑是這個地球，以及在地球上不停旅行著的人類的模樣。另外，在序曲與尾聲部份連結在一起的架構（由波浪的聲音開始，由波浪的聲音結束/場景在宛如公寓一房開始，又回到同一個房間內）則代表了，本作品所提點的故事並非一直線的架構，反而強調著故事為一圓環。這也正佐證了這個作品所想講的是一個永無結局、普遍性的寓言故事。
流行藝人的使命，可說是約定俗成在「取悅視聽大眾」這一點上面。老實地說以這點來思考，三浦大知的所謂「球體」企劃，路線有些過於高尚了些也不一定。實際上，無論是排除了琅琅上口的歌詞，刻意不多做說明、殘留著釋義空間的歌曲，或是抽象的專輯名稱，這些都與流行音樂的容易親近、易懂的特性，產生一點距離。然而，只要聽過一遍「球體」收錄的歌就能明白，超越了理解與共鳴的層次，專輯內蘊藏著足以撼動情感的強力表現。
看似矛盾，如此這般在表現上淬練到極限的作品，喚起了一般人的感動，但這種經驗又何嘗不是流行樂界中特有的產物呢？許多提攜流行樂的作曲家與編曲家，常會受人冠上「職人」稱呼以示敬意。從這點可以看出來，現代流行樂的原理，就在於分工合作的專業上面，為了"一個表現"而共同反覆推敲而出的合作美學。雖然這個原理經常被批判為「商業主義的化身」，但它依舊誕生了許多令我們著迷的內容。
「球體」也是其中之一。這個作品並不是「流行藝人想挑戰藝術作品的野心之作」，而是三浦大知與Nao'ymt這兩職人，極力追求流行樂專業性的一面到極點，而這是毫無疑問的「流行音樂的傑作」。
樂評作者：
imdkm
部落客。1989年生。作為一介音樂迷，在山形縣的一隅，針對音樂進行分析考察過生活。
部落格「ただの風邪。（只是感冒。）」連結：在此
（譯者額外補充說明：）
關於「三連符」的運用部份，讓樂評者讚嘆的理由，是因為它落實在日語歌詞是件很困難的事。過去小室哲哉在關JAM節目上（2017/06/05的那一集：連結，於20分左右開始看），論及填詞一事的時候就有提到，何以日本流行樂在副歌上慣用英文歌詞，這是由於日語自身的限制。母音不能單獨存在，會是毫無意義的詞彙，當然只有子音也無法發出字音，因此母子音所組合出的日語，基本上歌詞總會比較長。而應用在現在英文歌流行的2拍子甚至3拍子來說，由於太短而難以表達歌詞，這讓日文歌的主流始終停留在四拍子。
以大知的歌，最容易對照的就是像Be Myself的副歌，「Be 、My、Self」這種就是3拍唱法。而「綴化」就是難得地完美融合了3連音符的純粹日語歌，最明顯之處就是「暗、闇、に、慣れた、目に、はまぶしすぎて」的斷句法是時下日文歌少有的、且毫無不自然地與歌曲氛圍做了完美融合。
沒有留言:
張貼留言